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Nov 19, 2023

Les chances sont bonnes, les marchandises sont étranges à la Lisson Gallery, NYC (Vidéo + Photos)

Les chances sont bonnes, les marchandises sont étranges à la Lisson Gallery, NYC, du 29 juin au 5 août,

Les chances sont bonnes, les marchandises sont étranges à la Lisson Gallery, NYC

29 juin – 5 août 2022

Images (1-7) avec l'aimable autorisation de la galerie Lisson

Avec les artistes Leilah Babirye, Kristi Cavataro, Jess Fan, Doreen Lynette Garner, Hugh Hayden, Elizabeth Jaeger, Hannah Levy, Eli Ping, Jesse Reaves, Devon Turnbull (OJAS), Kristin Walsh

Les chances sont bonnes, les marchandises sont impaires est une exposition collective qui met en lumière une nouvelle génération de sculpteurs basés à New York. Réunissant des œuvres d'art sur une gamme de supports, la présentation met en valeur les éthiques divergentes qui sous-tendent la sculpture aujourd'hui. Les artistes présentés privilégient le fait main, créant un éventail d'œuvres d'art qui vont du raffiné et du conceptuel au brut et au viscéral.

Unis par l'utilisation de matériaux atypiques, les onze artistes de l'exposition habitent un champ en dehors de la norme sculpturale et résistent à un système de tendances. Ils choisissent plutôt de se confronter à la formalité. Les artistes partagent un intérêt pour la façon dont le corps humain, sa force et sa fragilité, est mis au défi par d'innombrables forces contemporaines - de la maladie et de la maladie à une dislocation dans un monde numérique. Ils emploient des pratiques laborieuses et à travers leurs méthodes respectives, du ramassage des détritus lors de leurs voyages à l'affûtage précis de leurs constructions, la présence des mains des artistes sur l'œuvre reste indubitable. L'exposition vise à accentuer les disciplines atypiques qui informent l'orientation de la sculpture aujourd'hui.

Un équidé colossal parHugues Hayden se dresse à l'entrée de la galerie. Dans sa pratique, Hayden commence par des objets qui portent intrinsèquement des associations significatives avec la catégorisation sociétale : race, religion, origine ethnique, éducation, sexualité, etc. Après s'être procuré des essences de bois spécifiques, dans ce cas le cyprès local du sud-est des États-Unis, Hayden utilise un processus rigoureux de sciage, de ponçage et de sculpture pour créer des formes reconnaissables mais tordues. L'effet est une perturbation métaphorique du contexte social américain traditionnel. L'œuvre de l'exposition illustre un certain nombre de thèmes récurrents dans l'iconographie de Hayden ; le zèbre comme réalisation de camouflage, et le squelette pour son manque d'identificateurs externes et sa suggestion d'extinction passée, et peut-être imminente.

De l'autre côté de la galerie avant sont placées deux grandes sculptures en vitrail, l'une fixée au mur et l'autre située au sol, parKristy Cavataro . Les structures aux multiples facettes, à la fois arrondies et cubiques, sont le produit de calculs mathématiques fastidieux et d'une construction manuelle. La pratique de Cavataro comprend une adaptation de la technique Louis Comfort Tiffany, utilisée au XIXe siècle pour les vitraux Art nouveau. Les carreaux de verre de Cavataro sont coupés individuellement puis soudés dans des formes qui résistent aux propriétés rigides du matériau. Les résultats sont des formes architecturales inattendues. Le matériau contorsionné se poursuit dans une nouvelle œuvre dechez Eli Ping Série Mote. La toile devient un médium sculptural dans la figure en forme de losange. Ping fend, étire et tire la toile à travers elle-même avant de verser de la résine sur les formes nouvellement allongées et nouées, les cristallisant en une matière osseuse. L'œuvre murale propose une nouvelle rencontre formelle et peut laisser entrevoir une métaphore sous l'albâtre artificiel.

Dix-huit figures en céramique émaillée présentées parLeilah Babirye examinez l'histoire LGBTQ + et confrontez les traditions culturelles entourant la sexualité et les droits de l'homme dans l'Ouganda natal de l'artiste. Babirye sculpte l'argile à la main, et après la cuisson de l'œuvre, elle bave et arrose les sculptures en céramique de glaçure en utilisant des techniques non conventionnelles. Les figurines sont ensuite assemblées avec des matériaux collectés dans les rues de New York - Mugave Ndugwa du clan Kuchu Lugave (Pangolin) et Kinsambwe du clan Kuchu Lungfish (tous deux 2022) comprennent du fil de cuivre et des chambres à air de pneus de vélo. Babirye utilise délibérément des composants distribués dans son travail, citant «ebisiyaga», le terme péjoratif pour les personnes queer dans la langue luganda, qui se traduit par la partie jetée de la coque de la canne à sucre. Les matériaux recyclés de l'artiste sont une récupération de sa communauté, et ses figures puisent dans une gamme de traditions artistiques africaines.

Assis à proximitéde Kristin Walsh machines sinistres. Travaillant principalement l'aluminium, Walsh fabrique des sculptures qui font référence aux mondes de moins en moins humains de la fabrication et de l'industrialisation. Renonçant aux techniques de production de masse, Walsh coupe, plie, soude et fusionne chaque sculpture à partir de tôles. Ses œuvres présentent une surface cirée et hautement polie qui offre une idée de l'idéal platonique de l'objet référencé, tandis que la fabrication artisanale répudie notre relation à la production de masse. Les machines de Walsh ont inclus des sons d'horlogerie conçus qui s'engagent avec des notions linéaires de temps et d'efficacité. Les œuvres de l'exposition transforment le typiquement utilitaire en dystopique et étrange.

Trois nouvelles oeuvres deElizabeth Jäger , fabriqués à partir de céramique et d'acier noirci, présentent des figures humaines miniatures debout dans des vides sombres ou sur des tasses à thé suspendues. Les dioramas explorent une fétichisation de la classe moyenne, examinant les représentations symboliques de la stature et poussant à la pression sociétale pour que ces indications soient exposées. Les petits corps semblent fragiles dans leurs espaces, et les sculptures invitent le spectateur à s'engager dans leur relation à leur propre physicalité.

Les sculptures deDoreen Lynette Garner engager le corps à travers une lentille historique. L'artiste examine les modèles passés et présents de violence raciale médicalement sanctionnée, en se concentrant sur l'expérimentation médicale sur le corps des femmes noires aux États-Unis et en illustrant l'indignité qui en résulte. Les œuvres de Garner de 2017, Known But To God: The Dug Up, Dissected, and Disposed for the Sake of Medicine, combinent une large gamme de matériaux - verre, silicone, acier, mastic époxy, perles, cristaux Swarovski, whisky - pour suggérer un corps mutilé parties, fluides corporels et restes humains. Lucy's Agony (2021) approfondit la description de ces expériences et souligne les inégalités actuelles dans les soins médicaux.

La corporéité s'étend aux sculptures de Jes Fan et Hannah Levy.Oui Ventilateur Clavicle Repeated Four Times (2022) présente des moules du corps d'un ex-amant. L'artiste explore la matérialité du corps genré et son intersection avec la biologie. Choisissant d'utiliser les substances littérales de la biologie qui ont été appliquées pour caractériser l'identité, Fan a précédemment utilisé de la mélanine, de la testostérone, de l'œstrogène, de l'urine et d'autres matériaux corporels dans son verre soufflé à la bouche et ses pigments. Le matériau organique est incorporé dans une construction inorganique plus grande. Dans Rack I (2022), une forme de verre cadavérique s'affaisse sur un grand assemblage de résine coulée et de silicone. Cette matérialité anatomique s'affiche également dansHannah Levy' s formes charnelles. Le langage visuel de Levy est un amalgame d'objets reconnaissables – chaises, chaussures, crochets, fournitures médicales, légumes – modifiés de manière absurde par l'ajout de silicone étiré. L'acier poli et les propriétés formelles exagérées des structures de Levy prennent une position énigmatique entre l'objet sensuel et le mobilier opératoire.

Jessi Reaves construit ses meubles à partir de matériaux humbles souvent trouvés ou récupérés. Ses formes sculptées, faites à la main et parfois irrationnelles, ne sont jamais complètement détachées de la fonction. Dans European Yellow Couch (2018), Reaves transforme le canapé rembourré, coupant, peignant et réarrangeant pour retourner la figure, révélant une nouvelle structure définitive. Les objets de Reaves sont un fac-similé amusant de leur conception originale, remettant en question le but de la construction et jouant avec les perceptions de l'aspect pratique et de l'esthétique.

Une salle d'écoute conçue parDevon Turnbull est également présenté dans l'exposition, une incursion rare dans le domaine de la sculpture pour le multidisciplinaire enclin à l'audio et au design. Formé en tant qu'ingénieur du son, Turnbull, qui porte également le nom de plume créatif OJAS, crée à la main des haut-parleurs à haute efficacité et des amplificateurs à lampes à faible puissance. Chaque sculpture sonore est unique, et Turnbull recherche méticuleusement des pièces audio rares pour construire ses constructions complexes, mais minimalistes. Tout au long de l'exposition, la galerie présentera des programmes ciblés d'une semaine dans la salle d'écoute qui présentent des enregistrements musicaux rares et des extraits audio supplémentaires.

A propos des artistes

Leilah Babirye (né en 1985, Kampala, Ouganda) Babirye a étudié l'art à l'Université Makerere de Kampala (2007-2010) et a participé à la Fire Island Artist Residency (2015). Elle a créé une œuvre adaptée au site pour 'Black Atlantic', un projet du Public Art Fund au Brooklyn Bridge Park, New York, qui a ouvert ses portes en mai 2022. Son travail est inclus dans '52 Artists: Revisiting a Feminist Milestone' à The Aldrich, Ridgefield, Connecticut, qui se déroule jusqu'en janvier 2023. En 2018, l'artiste a obtenu l'asile aux États-Unis et a présenté sa première exposition personnelle à Gordon Robichaux, New York. Son deuxième a ouvert ses portes en octobre 2020 et la galerie a également accueilli une exposition pop-up du travail de Babirye à Los Angeles, Californie en février 2022. Son travail se trouve dans des collections publiques telles que Hessel Museum of Art, Bard College, Annandale-On-Hudson , New York; Museum of Art, Rhode Island School of Design, Providence, Rhode Island et Sammlung Goetz, Munich, Allemagne.

Kristy Cavataro(née en 1992, Connecticut, États-Unis) a obtenu son BFA à la School of Art de The Cooper Union en 2015. Son travail est actuellement inclus dans le Grand New York au MOMA, New York, États-Unis (2022) et deux expositions précédentes au Ramiken Crucible , New York, États-Unis.

Oui Ventilateur (né en 1990, Scarborough, Canada) a obtenu son BFA en verre à la Rhode Island School of Design et vit et travaille à Hong Kong et Brooklyn, aux États-Unis. Fan a d'abord été formé à la fabrication du verre, mais a élargi sa pratique pour englober divers médiums et approches. Fan est récipiendaire de diverses bourses et résidences, dont la Pollock-Krasner Foundation Grant (2022), la Joan Mitchell Painters and Sculptors Grant (2017), ainsi que la Jerome Hill Artist Fellowship (2019-2020). Les expositions récentes incluent Kunsthall Trondheim (2021); Musée X (2020); Musée d'art Rockbund, Chine (2019); Hayward Gallery, Royaume-Uni (2019); Galerie vide, Hong Kong (2018) ; et Musée des arts et du design, États-Unis (2017). Fan a également participé à de nombreuses résidences d'artistes avec des institutions telles que le Bemis Center for Contemporary Arts, Recess Art, Smack Mellon et Pioneer Works. Il a également participé à la Biennale de Venise (2022), à la New Museum Triennial (2021), à la Biennale de Liverpool (2021), à la Biennale de Sydney (2020), à la Socrates Annual (2019).

Doreen Lynette Garner (né en 1986, Philadelphie, PA) est un sculpteur américain et un modificateur corporel basé à Brooklyn, New York. Elle est titulaire d'un BFA en verre de la Tyler School of Art de l'Université Temple et d'une maîtrise en verre de la Rhode Island School of Design. Elle est récipiendaire de la bourse Joan Mitchell Painters and Sculptors, du prix Toby Devan Lewis, d'un prix Van Lier Fellowship, d'une bourse Franklin Furnace et exerce actuellement en tant que sculpteur et graveur de chair. Le travail le plus récent de Garner est actuellement présenté dans "Pale in Comparaison", une exposition personnelle au SCAD Museum of Art, Savannah, GA. Certaines expositions incluent "Steal Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harm" -HALLE FÜR KUNST Steiermark (2021) "Greater New York" MoMA PS1 (2021) "She Is Risen" JTT Gallery (2019), STATEMENTS Art Basel ( 2018), "White Man on A Pedestal" Pioneer Works (2017), "Surrogate Skin: The Biology of Objects" MoCADA (2016), "Ether and Agony" Antenna Gallery NOLA (2016) et "SHINY RED PUMPING" Vox Populi Gallery (2015). Garner a effectué des résidences au LMCC Workspace Program (2015) Skowhegan School of Painting and Sculpture (2014) Abrons Art Center (2015-16) Pioneerworks (2016) et GAPP Residency au Toledo Museum of Art (2016).

Hugues Hayden (né en 1983, Dallas, TX) a obtenu son MFA de l'Université Columbia et un baccalauréat en architecture de l'Université Cornell. Ses expositions personnelles récentes incluent Blaffer Art Museum, Houston, TX, USA (2022), ICA Miami, FL, USA (2021), The Madison Square Park Conservancy, New York, NY, USA (2021), The Princeton University Art Museum, New Jersey, États-Unis (2020) et à White Columns, New York, NY, États-Unis (2018). Son travail a été inclus dans de nombreuses expositions collectives dont Sculpture Center, New York, NY, USA (2021) ; Hayward Gallery, Londres, Royaume-Uni (2020); The Shed, New York, NY, États-Unis (2019); Projets pilotes, Philadelphie, PA, États-Unis (2018) ; Festival du film de Sundance, Park City, UT, États-Unis (2015); MoMA PS1, Rockaway Beach, New York, NY, États-Unis (2014) ; Socrates Sculpture Park, New York, NY, États-Unis (2014); et Abrons Art Center, New York, NY, États-Unis (2013), entre autres. Il est récipiendaire de résidences à Glenfiddich à Dufftown, en Écosse (2014) ; Abrons Art Center et Socrates Sculpture Park (tous deux en 2012) et Lower Manhattan Cultural Council (2011).

Elizabeth Jäger (née en 1988 à San Francisco, Californie) a obtenu son BA du Lewis and Clark College en 2011. Ses expositions personnelles récentes incluent Holes à la Jack Hanley Gallery, Gutted à Mister Farenheit et Brine à Klemm's à Berlin. L'artiste a participé à de nombreuses expositions collectives, notamment How To Survive au Sprengel Museum de Hanovre, DE Mirror Cells au Whitney Museum of American Art, Moma PS1's Greater New York, Sculpture Center's In Practice: Fantasy Can Invent Nothing New et l'Aspen Zombies du musée d'art : faites attention !. Plus récemment, l'artiste a exposé dans Ghosts à la Jack Hanley Gallery, Dreamers Awake à White Cube, Londres, 99 Cents or Less au Museum of Contemporary Art Detroit, Sticky Fingers à Arsenal Contemporary, et The Sun and the Rainfall II à Galleria Zero, Milan.

Hannah Lévy (né en 1991, New York, New York) Ses expositions personnelles récentes incluent High Line, New York (2021); Casey Kaplan, New York (2020); Mother's Tankstation, Dublin, Irlande (2018); Fourteen30 Contemporary, Portland, Oregon (2017); et White Flag Projects Library, St. Louis, Missouri (2016). Les expositions de groupe notables incluent Wege zur Welt - Hilde-brand Collection, G2 Kunsthalle, Leipzig (2019); Campi Magnetici (Champs magnétiques), Gió Marconi, Milan, Italie (2019) ; L'artiste est présent, Yuz Museum, Shanghai, Chine (2018) ; I See You, Savannah College of Art and Design Museum, Savannah, Géorgie (2018); Being There, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Danemark (2017); Peau passée, MoMA PS1, New York, New York (2017); et les choses que je pense vouloir. Six Positions of Contemporary Art, Frankfurter Kunstverein, Francfort, Allemagne (2017).

Éli Ping(né en 1977, Chicago, IL) a obtenu son MFA de l'Université de l'Illinois en 2005 et son BFA du Vassar College en 1999. Le travail de Ping est actuellement exposé à la Galerie Maria Bernheim, Zurich, Suisse (2022) et les expositions précédentes incluent Ramiken Crucible, New York, États-Unis (2021), Susen Inglett, New York, États-Unis (2013).

Jessi Reaves (née en 1986, Portland, OR) a obtenu son BFA de la Rhode Island School of Design en 2009. Elle a reçu le Teiger Mentor in the Arts de l'Université Cornell en 2020 et a reçu une mention spéciale du Hublot Design Prize en Suisse en 2017. Les résidences incluent The Chinati Foundation, Marfa, Texas (2021) et Fallingwater Institute Artist-in-Residence, Mill Run, Pennsylvanie (2018). Les collections publiques comprennent le Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, Pennsylvanie ; Musée d'art RISD, Providence, Rhode Island; Whitney Museum of American Art, New York, New York.

Devon Turnbull (OJAS) (né en 1979, Smithtown, NY) OJAS est le pseudonyme créatif de Devon Turnbull. En tant qu'étudiant universitaire en ingénierie audio, il a commencé à utiliser le nom dans diverses disciplines, notamment le graffiti, la musique, le graphisme et la conception de vêtements. En 2003, Turnbull a cofondé la marque de vêtements Nom de Guerre avec Isa Saalabi, Wil Whitney et Holly Harnsongkram. Pendant la décennie suivante, alors qu'il travaillait principalement dans la mode, le nom OJAS a été maintenu en vie sur les sculptures sonores que Turnbull fabriquait pour lui-même et un nombre croissant d'amateurs d'audio à travers le monde. Avec un intérêt particulier pour les haut-parleurs à haut rendement et les amplificateurs à tubes à faible puissance, l'équipement audio Ojas vise à apporter un son réaliste et naturel à l'auditeur. Ces produits sont le résultat de deux décennies d'expérimentation, d'ingénierie et d'explorations dans l'underground audio.

Kristine Walsh (née en 1989, Emerald Isle, Caroline du Nord) a obtenu son MFA de l'Université de Columbia en 2017 et son BFA de l'Université de Caroline du Nord à Charlotte en 2013. Les présentations récentes en solo et à deux incluent : Unworlding, Frieze London, Helena Anrather ; La manière de travailler les événements, Helena Anrather, New York ; Maison NADA, Helena Anrather, New York ; Fjord, Philadelphie ; Université de Salisbury, Salisbury, MD ; Les expositions de groupe sélectionnées incluent : Downs & Ross, New York ; Eau McBeer, East Hampton, NY; Helena Anrather, New York ; Marinaro, New York; SIGNAL, New York ; Centre Lenfest, Université Columbia, New York;; Projet Wassaic, Wassaic, NY. Walsh vit et travaille à New York.

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