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Jul 19, 2023

12 expositions d'art à découvrir cet hiver

Une nouvelle saison apporte une nouvelle liste d'expositions à Boston, montre que

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Une nouvelle saison apporte une nouvelle liste d'expositions à Boston, des spectacles qui se tournent vers l'histoire pour s'inspirer mais qui ont quelque chose à dire fermement sur le monde d'aujourd'hui.

Au MFA, le travail de Cy Twombly s'inspire de sa fascination de toujours pour l'antiquité, mais l'intensité des marques sur ses toiles a une urgence contemporaine. Une émission consacrée au travail de May Stevens au MAAM montre comment elle a réduit le temps et l'espace pour placer sa mère aux côtés de la révolutionnaire Rosa Luxembourg afin d'examiner les défis auxquels les femmes sont confrontées. L'artiste Lyle Ashton Harris, dont le travail sera exposé au Rose Art Museum, utilise des morceaux d'éphémères pour analyser la mémoire et comment elle façonne qui nous sommes.

Les spectacles présentent un sentiment d'interdépendance, et bien que le travail puisse provenir de différents coins du monde, une grande partie exprime la vitalité humaine, comment nous grandissons et changeons.

Avec un mélange d'images contemporaines et vintage, cette exposition célèbre le saut, le saut et la torsion dans l'espace. Les photographies exposées explorent la présence physique du corps, à la fois en mouvement et au repos. L'artiste Pelle Cass superpose une cascade d'athlètes plongeants, tandis qu'une image d'une danseuse, s'étirant devant un miroir, capture son reflet alors qu'elle ressemble à une rosette de danseurs. Il y a une exubérance à voir une femme liée à travers l'espace, ses membres étendus alors qu'elle se déplace dans la rue, apparemment pour elle-même, et non en performance. Parmi les autres artistes présentés, citons Jaclyn Conley, Jeremy Deller, entre autres. L'exposition comprend également une collection de photographies amateurs - appelées photographies vernaculaires - de personnes lors de défilés et formant des pyramides humaines.

Si l'hiver vous donne envie de couleurs, "Riotous Threads" promet des éclats de teintes vives dans des combinaisons inattendues. Le travail cousu sans titre de Donna Esolen vibre pratiquement avec sa sélection de couleurs luxuriantes. On y trouve des portraits brodés (dont un de Dark Vador) et des œuvres abstraites qui fusionnent broderie et tissage. Le musée présente le travail de 25 artistes de Gateway Arts, un célèbre centre artistique de Brookline pour adultes handicapés.

Ce spectacle, en un sens, parle aussi de mouvement. En regardant les toiles massives de Cy Twombly - couvertes de manière obsessionnelle de boucles, de gribouillis et de gribouillis - on ne peut s'empêcher de penser aux gestes de tout le corps qu'il lui a fallu pour les faire. Twombly, qui a donné peu d'interviews de son vivant, a décrit son processus et a déclaré: "C'est plus comme si j'avais une expérience que de faire une photo." L'artiste, passionné d'antiquité, a passé des décennies de sa vie en Italie. Twombly a cherché à établir un lien entre l'art du passé et le travail du présent, et il a fait de fréquentes références non littérales dans ses peintures et sculptures. Au MFA, son travail sera exposé aux côtés d'art grec ancien, romain, égyptien et proche-oriental de la collection du musée, ainsi que d'objets de la propre collection d'antiquités de Twombly, qui n'ont pas été exposés auparavant.

Pour May Stevens, faire de l'art était un acte politique. Dans les années 1960, son travail était centré sur les Freedom Riders. Elle a protesté contre la guerre du Vietnam en peignant des portraits de son père, qu'elle a critiqué pour ses opinions racistes et misogynes. Au milieu des années 70, elle a commencé une série de peintures figuratives mettant en scène sa mère catholique et ouvrière aux côtés de la révolutionnaire marxiste polono-allemande Rosa Luxemburg. En plaçant sa mère biologique avec la femme qu'elle appelait sa mère "intellectuelle", Stevens a transcendé le temps et l'espace pour explorer comment les femmes luttent en public et en privé. Stevens, qui a grandi à Quincy, est diplômée de MassArt en 1946. Elle était une artiste féministe notable, fondatrice de la revue Heresies et membre des Guerilla Girls. L'exposition au MAAM est la première exposition de son travail à Boston depuis sa mort en 2019.

Cette exposition transportante présente le travail de sept artistes explorant les thèmes de l'identité, de la mémoire et de l'appartenance. L'art, qui est tiré de la collection de la Barjeel Art Foundation, offre un portail vers l'Égypte, l'Irak et le Liban contemporains. L'exposition comprend également une installation de Mona Hatoum, une artiste palestinienne basée à Londres depuis les années 1970. Appelée "table de traçage", la surface en bois poli est parsemée de points lumineux brillants qui forment une carte du monde. L'effet est sinistre, celui de l'effondrement des frontières. Bien que Hatoum ait réalisé l'œuvre en 1998, elle n'en est pas moins pertinente aujourd'hui, surtout à la lumière de l'invasion russe de l'Ukraine.

Si vous avez été absorbé par le podcast acclamé "Mort d'un artiste" de l'année dernière et que vous n'avez jamais vu le travail d'Ana Mendieta en personne, une partie de la sienne fait partie de cette exposition organisée par des artistes à l'ICA. C'est une image obsédante de la perte, une impression dans le sable suggérant une tombe peu profonde. L'artiste Taylor Davis, connue pour ses sculptures en bois méticuleusement conçues et emphatiques, a choisi des œuvres de la collection permanente du musée par des artistes allant de Cindy Sherman à Robert Mapplethorpe (également une autre chance de voir des œuvres de Mona Hatoum). Davis explore l'interdépendance de toutes choses avec ses sélections.

Pour sa première exposition sur l'art himalayen depuis plus de 30 ans, PEM présente le travail de deux artistes. L'artiste tibétain américain d'origine népalaise Tsherin Sherpa subvertit l'iconographie bouddhiste traditionnelle avec un style typiquement californien - les effets de ses peintures sont lumineux et trippants, avec des gouttes de peinture très stylisées. Robert Beer, quant à lui, est un Gallois qui, depuis des décennies, s'est plongé de manière obsessionnelle dans la peinture de thangka bouddhiste tibétain. Vivant en Inde et au Népal, il a appris de certains des praticiens les plus importants. (L'un des livres de Beer, des dessins au trait de divinités et de symboles indo-tibétains, se trouve souvent dans les magasins de tatouage.)

Le travail de Lyle Ashton Harris a une qualité onirique. Il combine ses collages de photos avec des morceaux d'éphémères - fragments de poterie, coquillages et mèches de cheveux - délibérément placés sur des textiles ghanéens. L'œuvre raconte une histoire de sa vie, et même si elle semble parfois voilée, comme essayer de se rappeler un rêve le lendemain matin, il télégraphie ses expériences en tant qu'homme noir et queer. Le travail est politique, surtout lorsque Harris place des photographies de ses anciens amants à côté d'une image de Luis Daniel Wilson-Leon, victime de la fusillade de la discothèque Pulse en 2016. Harris travaille à New York (il est également professeur à NYU). Le spectacle à la Rose s'inspire de sa série "Shadow Works" et combine également certaines de ses œuvres les plus reconnues avec d'autres pièces moins connues.

Betye Saar, qui s'est fait connaître dans le mouvement des arts noirs dans les années 1970, conserve un énorme fouillis d'objets dans son atelier. Elle organise les articles par couleur, mais aussi par forme et matière. Et c'est de cette collection qu'elle tire ses assemblages, qu'elle a commencé à réaliser après s'être inspirée du travail de Joseph Cornell à la fin des années 1960. Saar a voyagé dans le monde entier et ses œuvres au Gardner racontent les histoires de ses voyages en Afrique, en Asie, aux Amériques et en Europe. "Legends in Blue", qui ressemble à un petit autel, combine un petit sarcophage qu'elle a acheté en Égypte avec de petits bouddhas trouvés à Los Angeles, des plumes bleu vif, un flacon de parfum et des dés pour représenter le hasard.

Parallèlement à l'œuvre de Betye Saar, le musée présente une sélection de pages de neuf carnets de voyage d'Isabella Stewart Gardner. Gardner et son mari ont beaucoup voyagé des années 1860 aux années 1890 à travers l'Europe, l'Asie, l'Amérique du Sud et le Moyen-Orient. Gardner a créé des albums de ces voyages avec des photographies, des échantillons botaniques pressés, des notes et des croquis à l'aquarelle. Pour l'exposition, le musée a réuni un groupe d'artistes et d'érudits pour examiner et répondre à ce que la position privilégiée de Gardner a négligé dans ses voyages.

Dans sa première exposition solo institutionnelle, l'artiste Alison Nguyen présente en première une installation vidéo à trois canaux intitulée "L'histoire comme hypnose". À travers des personnages et des récits marginaux, Nguyen examine l'aliénation et l'assimilation. Le film de science-fiction est centré sur trois femmes dont la mémoire a été effacée et, alors qu'elles recherchent un homme mystérieusement nommé X, elles cherchent à rétablir leur identité. Nguyen s'intéresse à la façon dont les images sont créées et partagées, et comment elles informent et, dans certains cas, façonnent nos expériences.

Cette exposition phare de la culture matérielle noire, co-organisée avec le Metropolitan Museum of Art, présente le travail de potiers noirs réduits en esclavage qui travaillaient dans le quartier Old Edgefield, en Caroline du Sud, avant la guerre civile. Environ 50 objets en céramique, allant de récipients massifs à de plus petits récipients utilitaires, seront exposés. Plusieurs ont été réalisés par David Drake, un esclave qui a osé signer son travail et y inscrire des messages ou des lignes de poésie, alors que cela était considéré comme un crime. Les noms des autres potiers restent inconnus, car leurs esclavagistes n'ont pas documenté leur travail. L'exposition comprend également le travail de cinq artistes noirs contemporains, dont Simone Leigh. (Elle a son propre spectacle d'ouverture à l'ICA en avril.)